lunes, enero 31, 2011

JOHNNY WINTER AND - LIVE ( 1971 )



Desde muy temprano Winter mostraba una fuerte atracción a la música; a la edad de 4 años en su ciudad natal se mostraba tocando el clarinete, hasta la edad de 8 cuando fue forzado a dejarlo por órdenes de su ortodoncista debido a un problema de maloclusión producido por el instrumento. Fue entonces cuando empezó a aprender a tocar el ukelele de su padre pero, a pesar del talento que mostraba con el instrumento, fue su mismo padre quien le motivo a dejarlo y cambiarlo por la guitarra a la edad de 11 años. En ese entonces Winter se aficiono a un programa de radio denominado "The Big Bopper of "Chantilly Lace" que daba un recorrido por el mundo del Blues, presentado por un dj local llamado J.P. Richardson.
Su descubrimiento a nivel nacional llegó a través de un artículo en la revista Rolling Stone, en 1968, lo que le valió un contrato con un propietario de un club neoyorkino y una grabación con Columbia. Su disco de debut oficial, Johnny Winter publicado en 1969, año en el que tambien tocaría en distintas presentaciones y festivales incluyendo el de Woodstock.
Más tarde formó una banda con antiguos componentes de The McCoys, se llamó Johnny Winter And. Consiguió buenas ventas entre 1969 y 1970 con los álbumes “Second Winter” y “Johnny Winter”, respectivamente, Durante este tiempo Winter sufrió de una fuerte adicción a la heroína, de la que se sobrepondría rápidamente y grabaría en 1973 Still Alive and Well. Sus discos se hicieron cada vez más orientados al blues duro, a finales de los setenta produjo también varios álbumes de Muddy Waters con quien consiguiera un par de Premios Grammy, entre otras colaboraciones.



Johnny Winter - And Live (1971)


Tracks :

01.- Good Morning Little School Girl
02.- It's My Own Fault
03.- Jumpin' Jack Flash
04.- Rock And Roll Medley: Great Balls Of Fire; Long Tall Sally; Whole Lotta Shakin' Goin' On
05.- Mean Town Blues
06.- Johnny B. Goode


Line-Up:

Johnny Winter - Vocals, Guitar, Harmonica
Rick Derringer - Vocals, Guitar
Randy Jo Hobbs - Vocals, Bass
Bobby Caldwell - Percussion











Johnny Winter - Johnny B. Good




Johnny Winter - Mean Town Blues

viernes, enero 28, 2011

LUTHER JAZZ CLUB : JOYCE MORENO - ILHA BRASIL ( 1996 )




Que tal amigos ! Como era habitual en este espacio el ultimo viernes del mes se lo dedicabamos a una de las ramas musicales del Brasil que mas nos gusta (y eso que tiene varias ) la bossa nova
Con motivo de que el proximo lunes estaria cumpliendo años ,a esta sensacional cantante la queremos homenajear en el club como se lo merece y por ello contamos una ves mas con el fabuloso aporte de nuestra querida y amiga pagina Musica para Gatos
Esperemos que sea de su agrado y lo disfruten tanto como nosotros
 FELICIDADES JOYCE MORENO
Un abrazo a todos !







Joyce es una de las grandes, dentro de la música brasileña. Vocalista excepcional, guitarrista, compositora, letrista, periodista, escritora y muchas cosas más, esta polifacética artista ha conseguido llevar a cabo una envidiable carrera plagada de grandes grabaciones.
Joyce nació muy cerca de la playa de Copacabana, al sur de Rio de Janeiro el día 31 de enero de 1948. Sus padres se separaron antes de que ella naciera y fue registrada por su madre, Zemir, como hija de su primer matrimonio. Zemir, funcionaria pública, cuidó sola de ella y de dos hijos más.
Joyce aprende a tocar la guitarra a los 14 años, observando a su hermanastro Newton, 13 años mayor que ella. Un par de “desconocidos” de nombre Roberto Menescal y Eumir Deodato (que en esos años tocaba el acordeón) eran buenos amigos de Newton. De hecho, por casa de la pequeña Joyce pasaba de forma habitual gente como Leny Andrade, los hermanos Castro-Neves y los antes mencionados, Menescal y Deodato. Ella se limitaba a mirar y a abrir bien los oídos. En 1964, con 16 años de edad, hace su primera grabación en estudio, “Sambacana”, invitada por Roberto Menescal. La música seguía siendo para ella un sueño distante.A los 18 años inicia por primera vez estudios de música y al año siguiente comienza la carrera de periodismo llegando a trabajar para O Jornal do Brasil. Ese mismo año clasifica la canción “Me disseram” para el Segundo Festival Internacional da Cançao de Rio. La letra, que incluye el verso “ja me disseram que meu homem nao me ama” (me dijeron que mi hombre no me quiere) causo gran revuelo en Brasil tan sólo por que estaba escrita en 1ª persona del femenino. Algunos periodistas calificaron la letra de “vulgar e inmoral”, acusándola de feminista (concepto que luego comentó la propia Joyce que ni siquiera conocía en aquel momento). Recordemos que Brasil estaba sumergida en una terrible dictadura. Algunos músicos, como Nelson Motta o Fernando Lobo apoyaron a la joven artista brasileña.

En 1968 graba su primer trabajo con el nombre de “Joyce”. El disco estaba compuesto por 11 temas; 5 suyos y 6 más de gente entonces desconocida. Eran Paulino da Viola, Marcos Valle, Francis Hime, Caetano Veloso, Jards Macalé, Toninho Horta y Ronaldo Bastos. Casi nada.
Al año siguiente graba su segundo trabajo producido por Nelson Motta, con arreglos de Luis Eça, titulado “Encontro Marcado” y hace su primera gira fuera de Brasil. Con el grupo Sagrada Familia de Luiz Eça, grabaría un nuevo trabajo en 1970 y ese mismo año lanzaría un doble compacto con el grupo A Tribu, formado por ella, además de Toninho Horta, Novelli, Nana Vasconcelos y Nelson Angelo, con quien se casaría meses después. Entre 1971 y 1975 sólo un trabajo. La artista se dedica a su familia y tiene dos hijas, Clara y Ana, cuyos nombres daría origen a uno de sus temas más famosos, “Clareana”.En 1975 Joyce se separa de Nelson Angelo y es invitada por Vinicius de Moraes para substituit a Toquinho. Al año siguiente graba en Italia el trabajo “Passarinho Urbano” donde interpreta temas de nuevos artistas censurados por la dictadura militar, entre ellos Chico Buarque, Milton Nascimento, Caetano Veloso, Edu Lobo, Maurício Tapajós o el mismo Vinicius. En 1977 Joyce conoce a Tutti Moreno en New York con quien se casaría, tras 24 años de convivencia, en el año 2001. De su unión nacería, en 1980, la tercera hija de Joyce, Mariana. Justo ese año despega definitivamente la carrera de esta polifacética artista, con el lanzamiento del excelente trabajo “Feminina”. El disco contiene temas memorables como el que da título al disco o el mencionado "Clareana" además de la conmovedora "Essa Mulher", o "Aldeia de Ogum". Este último tema fue redescubierto 12 años más tarde por algunos DJ’s de Londres que convertirían a Joyce en una gran estrella en UK. Cabe recordar que fue la primera artista brasileña invitada en un festival de acid jazz donde la acogió un caluroso público de más de 2000 personas.
Las siguientes grabaciones de la artista merecen, al igual que la mencionada “Feminina”, un lugar de honor en la discografía de cualquier amante de la música de Brasil. “Agua e Luz” (1981) contiene el éxito "Monsieur Binot". La carrera internacional de Joyce comienza a funcionar y ella dedica el resto de la década a grabar algunos trabajos en forma de homenaje a alguno de los grandes de la música de Brasil, como los dedicados a Tom Jobim y Vinicius de Moraes además de “Tardes Cariocas” (1984) y “Saudade de Futuro” (1985). Cierra los 80 con el excelente directo “Joyce ao vivo” (1989).

En 1990 graba “Music Inside” y al año siguiente, “Linguas e amores” colaborando en un tema con el legendario Jon Hendricks ( el tema: "Taxi Driver", muy recomendable).
En 1996 tras varios homenajes, recopilaciones y directos, saca al mercado un nuevo disco con temas originales. Su nombre es “Ilha Brasil” y no defrauda a nadie. El trabajo contiene varios grandes temas entre los que destacan "Havana-me" y "Oasis". Dos años después, un encendido homenaje a Elis Regina con el título de “Astronauta”. Conmovedora la versión del tema de Ary Barroso, "Na Batucada da Vida".

En 1997, explotando su faceta de periodista, escribe el libro “Fotografiando Hadas con mi Rolley Flex”, una excelente radiografía de la música brasileña cuyo título se inspira en la letra del clásico “Desafinado” del maestro Antonio Carlos Jobim. Con “Hard Bossa” (1999) consigue otro trabajo redondo, conteniendo temas como "Criança", "London Samba", "Novelo" o "Vatapá".
En el nuevo siglo, quinta década de carrera de la artista, Joyce ha hecho varios discos con temas originales, como “Gafieira Moderna” (2001), “Banda Maluca” (2004) (rebautizado en UK como “Just a Little Bit Crazy”) o el más reciente “Rio Bahia” con Dory Caymmi, aunque en mi opinión los resultados a nivel creativo no han sido tan brillantes como anteriores trabajos. Para acabar, en el año 2007 compartió su primer disco con su marido Tutty Moreno, titulado "Samba Jazz", editado en Japón.
En el año 2008 realizó su primer DVD en directo titulado “Ao Vivo”.

Fuente



 Joyce - Ilha Brasil (1996)



 Tracks :

01) Samba da zona
02) Havana me
03) O chinês e a bicicleta
04) Rodando a baiana
05) Até jazz
06) Sexy Sílvia
07) Receita de samba
08) Deus e o Diabo (Na dança do baião)
09) Paraíso
10) Delicadeza
11) Feijão com arroz
12) Oásis
13) Viola de prata
14) Antônio
15) Ilha Brasil
















WEB

MYSPACE




Joyce Moreno - Havana-me




Joyce Moreno - Delicadeza





miércoles, enero 26, 2011

SADE - LOVERS LIVE ( 2002 )




 Helen Folasade Adu es una mujer que nunca ha tenido nada que ocultar. Nacida en Ibadan, Nigeria y criada en Colchester, Essex, donde se trasladó a los 4 años tras separarse su madre inglesa de su padre nigeriano, se ha pasado la vida intentando hacer lo que es correcto, honesto y auténtico. Porque nada es más importante que eso. Mientras crecía Sade solía escuchar a artistas de soul como Curtis Mayfield, Donny Hathaway y Marvin Gaye. Cantantes con una tendencia exclusiva hacia las complejas sensibilidades de la pena y de la esperanza, con el suficiente talento como para crear a partir de esos sentimientos algo duradero y transcendente.
Ella todavía no pensaba en cantar en aquella época, sino en estudiar moda en la facultad de Saint Martin, y sólo se decide a presentarse como vocalista cuando un par de viejos amigos de la facultad crean un grupo "hasta que encuentren una cantante". Sus estudios de diseño la llevaron a abrir una boutique, pero su amor por la música la llevó a cantar en un grupo funky de cierto carácter latino que respondía al nombre de Arriva. Desde ese momento descubrió un extraño placer al escribir letras. Más tarde esta banda pasó a llamarse Pride y luego cambio a Sade, que es una abreviatura de Folasade. Y con Sade comenzo a conocerse también a su vocalista. La banda consigue firmar un contrato en 1984, y se convierte en el espectáculo de los clubs de alterne de la capital inglesa, en gran parte gracias a la impresionente belleza de su cantante que se vería reflejada en revistas de tirada internacional como Vogue, Cosmopolitan, Times... y en pocos meses se convirtió en la reina del cool. En 1984 su primer sencillo "Your love is king" pasó a ser un éxito dentro de los Top Ten. Y de manera bastante repentina Sade se convirtió también en un símbolo. Si durante los 80, ella parecía encarnar los valores recién descubiertos de la elegancia y del deseo, entonces había y aún sigue habiendo algo más fundamental que caracteriza la popularidad de Sade. Su música tiene una resistencia que contrasta con su aparente dulzura. Permanece en el corazón y en la cabeza mucho tiempo después de que se hayan callado las últimas notas, de la misma forma que los rescoldos de una relación nunca se enfrían. Esa es la razón de que sólo un año después se convirtiera en uno de los pocos artistas que han aparecido en la portada de la revista Time. Porque desde los primeros momentos su música rebasó el momento del pop.
Efectivamente, con la edición en 1984 de su disco de presentación "Diamond life", Sade se dirigía a una audiencia mundial. Este contenía sencillos de éxito como "Your love is king", "Smooth Operator" y "Hang on to your love", y el disco permaneció 98 semanas en las listas británicas y 81 semanas en las listas americanas. Sade recibió el premio BPI al mejor álbum y un Grammy a la mejor artista. Después de "Diamond life" en 1985 llegó "Promise", un rico y evocador segundo álbum que cosechó éxitos como "It is a crime" y "The sweetest taboo", que ha sido uno de los temas más oídos en la historia de la radio. Al igual que su precedesor, éste también fue un éxito internacional que recibió un disco multiplatino.
Tres años más tarde, volvió a reunir al grupo para grabar "Stronger than pride", un álbum de éxito en 1988 que contenía sencillos memorables como "Paradise", "Love is stronger than pride" y "Nothing can come between us". Con el álbum llegó una gira por todos los continentes, incluida Europa, Australia y Japón y que supuso la primera gira a gran escala por América. A lo largo de su trayectoria, el grupo siempre ha contado con una audiencia diversa, multiracial, que se siente atraída por el amplio concepto de música que tiene el grupo. Sade ha creado clásicos de las pistas de baile, temas para las bandas sonoras de películas, temas favoritos en las emisoras de radio e himnos de amor, al mismo tiempo que rechaza que se les categorice simplemente como un grupo de pop, una banda de R&B, un grupo de soul o cualquier otra cosa que sea unidimensional. En su lugar, al igual que las calles multiculturales de Londres de las que procede el grupo, su música ha prosperado al abarcar la diversidad como principio fundamental.
En 1992, Sade editó "Love Deluxe", un álbum audaz y emocionalmente honesto que se ganó la aclamación comercial y de la crítica. En América permaneció 90 semanas en las listas, mientras que el sencillo "No ordinary love", tenía una amplia aparición en la película de Robert Reford "Proposición Indecente". En 1994 llegó el "Best of Sade", que incluía 16 temas. Ahora edita "Lovers Rock", ocho años después de su último trabajo y con unas ventas en su haber de 40 millones de discos. Es un disco, sutil y engañosamente sencillo, destaca el notable talento de Sade como autora de canciones que llevan su sello de refinamiento duradero. Desde el acústico "Sweetest gift" hasta el conmovedor "All about our love" y el emotivo "Slave Song", este álbum está lleno de calor, intimidad y sensibilidad. En "Lovers Rock", al igual que ha hecho en los discos anteriores, Sade sigue describiendo los murmullos secretos del corazón, y permanece fiel a sí misma en su trabajo intentando siempre llegar más lejos, abarcar más.




 Sade - Lovers Live (2002)

 Tracks :

1.Cherish the Day
2.Somebody Already Broke My Heart
3.Smooth Operator
4.Jezebel
5.Kiss of Life
6.Slave Song
7.Sweetest Gift
8.Sweetest Taboo
9.Paradise
10.No Ordinary Love
11.By Your Side
12.Flow
13.Is It a Crime













Sade - The Sweetest Taboo




Sade - Smooth Operator




Sade - Paradise





NO TE OLVIDES DE AVISAR POR LINKS CAIDOS QUE SIN NINGUNA MOLESTIA DE NUESTRA PARTE LO RESUBIREMOS A LA BREVEDAD .

lunes, enero 24, 2011

DAVE SPECTER - LIVE IN CHICAGO ( 2008 )




Dave Specter nació en Chicago hace 43 años y comenzó a tocar la guitarra a los 18 años. Tomó clases con Steve Freund, con quien después grabaría. Specter es "técnicamente extraordinario", el guitarrista es prueba errónea del " paradigma de que hay que ser negro para tocar Chicago blues".
Algunas de las influencias que Specter dice tener son, en el terreno del blues, T-Bone Walker, Pee Wee Crayton, Magic Sam y Otis Rush, y, en el jazz, Kenny Burrell.
En una reseña del disco "Speculatin" se dice del guitarrista que cruza del blues al reino del jazz sin rupturas. "Las interpretaciones de Dave Specter abarcan el jazz, el gospel, el funk de Nueva Orleáns, el blues tejano y el de Chicago".
Specter, también es productor, lleva más de 20 años presentándose en festivales y clubes nocturnos de Chicago y de otras ciudades estadunidenses. También se ha presentado en Brasil, Canadá y numerosos países europeos. Participó en giras con Son Seals, The Legendary Blues Band, Hubert Sumlin, Sam Lay y Steve Freund. También ha tocado y grabado con Buddy Guy, Otis Rush y Jimmy Rogers.
En 1989 formó su propia banda, The Bluesbirds. Ha grabado varios discos, entre ellos, Bluebird Blues (1991), Blueplicity (1994), Live in Europe (1995), Left Turn on Blue (1996), Blues Spoken Here (1998), Speculatin' (2000) y Is What It Is (junto con Steve Freund, 2004), todos bajo el sello Delmark.
También aparece en compilaciones, con Eric Clapton, Carlos Santana, BB King, Muddy Waters y Junior Wells. Specter da clases de guitarra en Chicago cuando se hace un tiempo entre gira y gira

 Su nuevo álbum “Live in Chicago” fue grabado en agosto de 2007 en dos de los más importantes clubes de blues de la ciudad de los vientos: Legends de Buddy Guy y el Rosa’s Blues Lounge. Acorde a la tradición, Specter se inspiró en ambos lugares e interpretó desde estrictos 12 compases hasta soul-jazz. También tuvo algunos acercamientos al country-rock, haciéndose acompañar del vocalista Tad Robinson, célebre por sus grabaciones soul.
En esta serie de presentaciones, Specter contó también con la compañía de la cantante Sharon Lewis, quien también contribuyó con sus toques de soul y algo de góspel. “Live in Chicago” es una muestra de que en el blues también es cierta aquella frase que dice “en la variedad está el placer”.



 Dave Specter - Live in Chicago ( 2008 )


 Tracks :


 1. Boss Funk/Riverside Ride
 2. What Love Did to Me
 3. How I Got to Memphis
 4. What's Your Angle?
 5. Texas Top
 6. Feel So Bad
 7. Out on the Road
 8. Is What It Is
 9. In Too Deep
 10. Angel



Personnel: Dave Specter: guitar; Brother John Kattke: keyboards; Harlan Terson: bass; Marty Binder: drums. Special Guests: Tad Robinson: vocals, harmonica (#2-4) Jimmy Johnson: vocals, guitar (#6-8) Sharon Lewis: vocals (#11-13)

 Recorded August 20, 2007 at Rosa's Blues Lounge, Chicago and at Buddy Guy's, August 21, 2007


DAVE SPECTER








Dave Specter - Live In Chicago - dvd trailer







Dave Specter  - Chicago Tonight 7-11-07







NO TE OLVIDES DE AVISAR POR LINKS CAIDOS QUE SIN NINGUNA MOLESTIA DE NUESTRA PARTE LO RESUBIREMOS A LA BREVEDAD .

viernes, enero 21, 2011

LUTHER JAZZ CLUB : LENA HORNE - An Evening With Lena Horne ( Live at the Supper Club ) 1995




Que tal amigos ! Sean bienvenidos una ves mas al club ,esta noche les acercaremos a una mujer que ademas de cantar maravillosamente , fue una luchadora incansable contra los prejuicios del color de la piel
Tambien se dedico al cine y al teatro con variado exito ,nos estamos refiriendo a la enorme Lena Horne que en el año 95 ofrecio un show que rescatamos para compartirlo con ustedes .
Sin mas preambulos vayamos a la musica de esta prestigiosa dama del jazz vocal
Un abrazo a todos !






La bellísima, Lena Horne (New York 1917), no tuvo demasiadas oportunidades para demostrar sus habilidades para cantar. Era negra bajo su piel clara, y el racismo junto a la caza de brujas defendida por el senador McCarthy, se coaligaron para impedir que accediera plenamente al status de estrella del cine.
Sus inicios artísticos comenzaron formando parte del coro de bailarinas del Cotton Club en 1933 y en uno de los shows de la gran Adelaide Hall, se estrenó como cantante con el tema "As Long As i Live", de los compositores, Harold Arlen y Ted Koechler. Ellos mismos suministraban canciones para la gran Ethel Waters y demás cantantes negras. Sin ir mas lejos, "Stormy Weather", de tanta significación en la carrera de Lena Horne, fue uno de ellos. Mayor importancia tuvo su trabajo como vocalista con la orquesta del cantante y líder, Noble Sissle entre 1935 y 1936. Grabaron discos, fueron de giras y el renombre que adquirió le abrió las puertas al mundo negro del espectáculo. La película "The Duke is Tops" y el musical "Blackbirds of 1939" fueron producto de esa fama.
Contratada como cantante por la big band de Charlie Barnet (1940-1941), sufrió muy pronto la dolorosa experiencia de ser la única mujer negra que viajaba en el mismo autobús de una orquesta blanca. Su primer gran éxito con Charlie Barnet, fue el tema "Good-For Nothin' Joe" grabado para Bluebird en 1941. En el verano de ese mismo año, Lena Horne, es acompañada por una excelente formación de estudio dirigida por el clarinetista y líder de orquesta, Artie Shaw que incluía al trompetista, Henry "Red" Allen, y al saxofonista Benny Carter, como mejores solistas. Al mismo tiempo, su estancia en el Café Society - el mismo club donde se dio a conocer, Billie Holiday- le da la oportunidad de conocer a una audiencia mixta e intelectual, grabando con el pianista, Teddy Wilson, entre otros.
El año 1941, se cierra con su interpretación de "Stormy Weather", una versión menos dramática que todas sus antecesoras pero igualmente efectiva y expresiva. Participó en dos películas dirigidas exclusivamente al emergente público negro y que contaba con actores exclusivamente de color. Fueron: "Cabin In the Sky" de Vicente Minnelli (1942) y "Stormy Weather" de Andrew Stone (1943). Entre sus grabaciones destaca un recopilatorio de un material muy representativo entre 1941 y 1958 para Bluebird-RCA titulado "Stormy Weather" y un disco arreglado por Marty Paich en 1962 para RCA titulado: "Lovely and Alive".
El sistema americano no la dejó ser una gran estrella del cine por el color de su piel, y eso le permitió dedicar todas sus energías en el arte del jazz vocal, algo que sus aficionados siempre se lo agradecerán.
Con el paso de los años, Horne fue dejando de lado su carrera en el cine y desarrolló una destacada trayectoria musical y teatral en Broadway, donde obtuvo varias nominaciones a los premios Tony. En 1980, protagonizó el espectáculo teatral The Lady and Her Music (La dama y su música), que permaneció casi un año en la cartelera de Broadway. Su despedida del cine fue interpretando a la Glenda, la bruja buena del El mago, la fallida versión de El Mago de Oz protagonizada por Michael Jackson.
La actriz y cantante Lena Horne fallecio  en un hospital de Manhattan a los 92 años.



 Lena Horne - An Evening With Lena Horne
 ( Live at the Supper Club ) 1995


 Track List:

1. Come Runnin'
2. Maybe
3. I've Got The World On A string
4. Old Friends
5. Something To Live For
6. Mood Indigo
7. Squeeze Me
8. Do Nothin' Till You Hear From Me
9. Yesterday When I Was Young
10. How's Your Romance
11. Why Souldn't I
12. Ours
13. Just One Of Those Things
14. We'll Be Together Again
15. Watch What Happens
16. The Lady Is A Tramp



 Personnel:

Lena Horne - vocals
Mike Renzi - piano
Rodney Jones - guitar
Ben Brown - bass
Akira Tana - drums






















Lena Horne - Stormy Weather/If You Believe




Lena Horne - Yesterday When I Was Young





NO TE OLVIDES DE AVISAR POR LINKS CAIDOS QUE SIN NINGUNA MOLESTIA DE NUESTRA PARTE LO RESUBIREMOS A LA BREVEDAD .

miércoles, enero 19, 2011

100.000 VISITAS




QUERIDOS AMIGOS DEL BLOG ,SEGUIDORES ,COMENTARISTAS ,BLOGS AMIGOS Y ANONIMOS . LOS QUE HACEMOS 101BLUESLLEGAR  LES QUEREMOS AGRADECER INFINITAMENTE POR HACERNOS LLEGAR A ESTA SIMBOLICA CIFRA DE LA CUAL ESTAMOS VERDADERAMENTE ORGULLOSOS .
BIEN ES SABIDO POR TODOS USTEDES LO QUE LLEVA REALIZAR UN ESPACIO COMO ESTE .PERO TENGAN LA SEGURIDAD QUE POR MAS PERDIDA DE TIEMPO QUE CONLLEVE REALIZARLO AL FINAL EL PLACER DE COMPARTIR TIENE UN VALOR AGREGADO Y MAS SI HA GUSTADO
DE VERAS LAMENTAMOS NO PODER A VECES VISITAR A TODOS LOS AMIGOS DEL BLOG.
LA TIRANIA DEL RELOJ NOS APREMIA CON INNUMERABLES QUEHACERES A LOS CUALES NO LOS PODEMOS ESQUIVAR .
PERO HOY NO ES DIA DE LAMENTOS ,SI NO TODO LO CONTRARIO Y APROVECHAMOS ESTA ENTRADA PARA HACERLES LLEGAR UN FRATERNAL SALUDO A TODOS USTEDES QUE HAN AYUDADO A QUE ESTO TENGA SENTIDO
UN ABRAZO A TODOS !




Joe Cocker - With A Little Help From My Friends


lunes, enero 17, 2011

JOE "GUITAR" HUGHES - TEXAS SLINGER ( 1996 )





Joe "Guitar" Hughes nació en Houston, Texas el 29 de septiembre de 1937.La exposición principal del joven Joe hacia la música vino de la mano del radio y los discos de su tia.
Una dieta constante de Lightnin 'Hopkins y T-Bone Walker plantaron la semilla para una futura carrera musical. Joe siempre amó el canto y desde un principio lo realizo junto con toda la música popular que oía en la radio. Su madre animó a su evidente talento comprarle partituras de canciones country-western, gospel, baladas o cualquier tipo de música, excepto el blues. Ahí es donde se trazó la línea. Cada vez que lo oyó cantar "blues"  recibió una paliza severa.Al poco tiempo se dio cuenta de que esta era precisamente la música que Joe abrazaria durante el resto de su vida. En su adolescencia Joe tomó un trabajo como lavaplatos por $ 25 a la semana y utilizó su primer sueldo para comprar una guitarra, una white Country-Western. Su madre no quedo muy convencida ya que  tenia la intención de utilizar el dinero para alimentos de la familia.
Cuando Joe aprendio un puñado de canciones  se reunio con algunos amigos y formó su primera banda. A la edad de 16 años, Joe se vinculo con el legendario Johnny "Clyde" Copeland, Pat Paterson, Steve Washington, y un tipo llamado "Cornelius" para formar el grupo vocal que llamaron "El Duque". Con el tiempo, Steve y Cornelio se marcharon siendo reemplazados por  Herbert Henderson y James Johnson  y el grupo se convirtió en una banda de rockin 'blues, "The Dukes of Rhythm". Debido a su habilidad musical excepcional, Joe se convirtió en líder de la banda y el instructor.
"The Dukes of Rhythm" tocaba cada noche en un club nocturno en el área de Houston / Galveston, incluyendo el mesón de Woodlake, Parilla de Ollie Groovy y el G & M Placer al contado. Con el tiempo se convirtieron en la banda de casa en el famoso Playhouse de Shady. Ellos se instalaron allí desde 1958 hasta 1963, tocando 7 noches a la semana. Fue en Shady que comenzó una larga tradición de los lunes Blues. Ellos eran un asunto casi de estado ya que le dieron la oportunidad a muchos músicos locales y visitantes la oportunidad de llegar y tocar. El ambiente ruidoso resultó igual de popular entre los músicos como lo fue con los clientes del club. Según Joe bastante mano de obra local  perdieron sus empleos como resultado de tener demasiada diversión en las fiestas del Blue Monday. En el camino, Joe tendría una gran oportunidad para estar con la gente que admiraba,compartiendo la  guitarra en el escenario con T-Bone Walker, o jugando a los dados entre bastidores con Big Mama Thornton.
Durante este tiempo, Houston fue uno de los focos de grandes guitarristas de blues. Los músicos eran muy competitivo con otros en el escenario y los mejores amigos fuera del escenario. En aquellos días, otra leyenda de la guitarra de Texas, Johnny "Guitar" Watson, vivía justo detrás de Joe. Los dos amigos pasaban horas tocando e improvisando con el "Maestro de la Telecaster" Albert Collins, quien fue el líder de la banda en un club nocturno llamado Club Joker. Cuando Collins finalmente decidio instalarse en ella fue Johnny Copeland, quien lo reemplazó allí. En 1963, a Joe se le ofreció un trabajo para tocar con "The Upsetters", original de la banda de Little Richard. The Upsetters tuvo que reinventarse a sí mismos cuando el señor Penniman (Little Richard) renunció a rock and roll por el camino de Jesús. Joe Hughes ayudó a redefinir los Upsetters como ritmo principal y la banda de blues. Poco después, salió a la carretera como la banda por una caravana musical. Después de dos años con los Upsetters, Joe se fue a tocar con el cantante Bobby "Blue" Bland por los   próximos dos años. Actuó con él en el escenario y en el estudio como parte de una banda que incluía a Melvin Jackson y Penia Harold. En 1966, Joe regresó a Texas y girar por  la carretera otra vez como el líder de la banda de Al "TNT" Braggs.
Con el tiempo, la rutina de las giras fue demasiado para Joe. Por último, tomó una decisión fatal. Su amor por su esposa  Willie Mae y sus tres hijas le hizo abandonar la vida de gira. Optó por quedarse en casa y pasar más tiempo con su familia. Su decisión de quedarse en Houston con su esposa, maestra de escuela le ha impedido avanzar en su vida profesional, pero fue un deseo  que nunca lo ha lamentado , ni por un segundo.
Antes de 1988, la carrera de Joe  fue esporádica, ofreciendo una selección más limitada de su talento musical increíble. Desde 1958 hasta 1965, grabó un puñado de singles para sellos discográficos como Kangaroo, Golden Eagle, Jetstream, Boogaloo, Gallant, Sound Stage, and Sound Plus
Entre 1970 y 1981, trabajó con muchas bandas locales en Houston, incluyendo Julius Jones and the Rivieras, Luvenia Lewis, We Four, The Music Good, and Soul Brothers Inc.A mediados de la década de 1980 las cosas cambiaron para Joe Hughes, sin saberlo él, que tenía un gran número de seguidores de su música en el extranjero. Su viejo amigo Johnny Copeland le convenció de que lo acompañara a Europa. En 1985, Joe encabezó una gran demostración con Johnny en Utrecht, Holanda. Este éxito abrió muchas puertas para la carrera de Joe. El interés internacional recogido para  encontrarce  a sí mismo como cabeza de cartel en lugares que nunca  había soñado. Joe lanzado ocho álbumes entre 1985 y 2000, sobrepasando el número de grabaciones en sus últimas cuatro décadas en el negocio de la música. El famoso historiador de la música de Texas Alan Govenar produjo un documental sobre Joe y su amigo Pete Mayes titulado "Batalla de las Guitarras". Y en 1999, el cineasta Heather Korb lanzó un documental titulado "Third Ward Blues", que documentan la comunidad musical de la que Joe era una parte integral .
Al final de su carrera, cuando muchas personas  han alcanzado la  jubilación, Joe junto con su esposa y alma gemela Willie Mae, pasó sus últimos años concentrándose en su carrera y viajando por el mundo, disfrutando de la belleza de los muchos países que realmente apreciaban el extraordinario talento de Mr. Joe "Guitar" Hughes.



 Joe "Guitar" Hughes - Texas Slinger ( 1996 )


 Tracks :


1. A Blue Song
2. Texas Guitar Slinger
3. My Baby Told Me
4. U Turn
5. Walk On
6. Put It In Writing
7. Ouchee Baby
8. Bad Dreams
9. Bystanders
10. That's Life
11. Moving To The Country (Blues Jam)
12. Don't Turn Your Back on Me


Personnel:

Joe "Guitar" Hughes (vocals, guitar); Rickey L. Morris, Paul Chevalier, Mark May (guitar); Don Slocomb, Jr. (saxophone); Nelsin Mims III, Keith Anderson (trumpet); Jeff Cooper, Bruce Melville (trombone); Charles Rhinehart (keyboards); Jerry Jenkins (bass); Norvell Holmes (drums).














Joe Guitar Hughes - A Blue Song




Joe Guitar Hughes - My Baby Told Me






NO TE OLVIDES DE AVISAR POR LINKS CAIDOS QUE SIN NINGUNA MOLESTIA DE NUESTRA PARTE LO RESUBIREMOS A LA BREVEDAD .

viernes, enero 14, 2011

LUTHER JAZZ CLUB : LAURA SIMÒ SEXTET - The Best is yet To Come / "Live At Jamboree" (1996)



Que tal amigos ! Gracias una ves mas por asistir como todos los viernes y hasta que termine el fin de semana al club de Luther en donde trataremos ( y conseguiremos) pasar un rato de buena musica .
En esta oportunidad les acercamos a una cantante catalana ,que la primera ves que la escuchamos pensamos que esta mujer habia nacido en el mismisimo Brooklin ... y nos equivocamos jejeje
A decir verdad nos hemos llevado una grata sorpresa y lamentamos que a veces esta clase de artistas tengan poca difucion ,pero desde este lado del oceano trataremos de enmendar ese grave error .
Por cierto este esfuerzo viene acompañado de una gran "mano" que nos dio nuestra casi hermana pagina del amigo "cule" Jazzy ,nos referimos a Musica para Gatos que recomendamos visitar en caso de querer pasar un muy buen rato al son del jazz ,la bossa y el funk
Espero que la disfruten tanto como nosotros
Un abrazo a todos !





Laura Simó es una cantante española nacida en Barcelona, ligada artísticamente al mundo del jazz. Se inicia profesionalmente en la música con el grupo Pianogrosso (dueto de piano y voz). En 1987 se edita el disco de standards titulado Bliss. Al año siguiente crea su propio grupo: Laura Simó & Conrad Setó Sound con Lluís Atance al bajo y David Simó a la batería. En octubre de 1988, el grupo representa a España en la categoría de jazz, dentro del Festival Mars International, en París. A partir de ese año empieza a trabajar regularmente con el pianista Lucky Guri, y también con Francesc Burrull. Graba dos temas del disco: Jazz al Drag. Vol 1 en la mítica Cova del Drac, con los músicos de la casa, liderados por el trompetista Arnau Boix.
En 1989 lleva a los escenarios el espectáculo: Breviari d'amor de la mano de Jordi Sabatés y su quinteto de cámara. Es una recopilación de canciones de trovadores provenzales de los siglos XI y XII, musicadas por Jordi Sabatés. Al año siguiente, Juan Carlos Calderón la invita a realizar diversos conciertos con su Big Band. El más destacado tuvo lugar en la clausura de los festivales de verano de la Plaza Porticada de Santander. Realiza diversas actuaciones con el trío de jazz formado por: Albert Bover al piano, Guillermo Prats al contrabajo y David Xirgu a la batería.
En 1993 participa en el concierto de jazz: Euroring 93 en el Palau de la Música Catalana de Barcelona, a cargo de la Big Band de Barcelona dirigida por Francesc Burrull, y Laura Simó actúa en representación de Catalunya Ràdio, organizadora del acto. Laura Simó y Carme Canela forman el grupo: Estamos Reunidas, con Joan Vinyals a la guitarra, Xavi Ibáñez a los teclados, David Simó a la batería e Ignasi Zamora al bajo eléctrico. Ése mismo año el añorado Tete Montoliu  la escoge como vocalista de su trío, y junto con Horacio Fumero y Peer Wiboris, actúan por diferentes capitales españolas. También entra a formar parte de la Big Band de John Dubuclet. En 1995 forma el grupo Laura Simó Sextet, con Francesc Capella a los teclados, Jordi Portaz al bajo, David Simó a la batería, Menno Mariën al saxo y Joan Vinyals a la guitarra, interpretando temas de compositores de diferentes estilos y épocas dentro del mundo del jazz.
En 1996 para celebrar el centenario del nacimiento del cine, Laura Simó forma un dúo con Joan Vinyals y presentan el espectáculo: Jazz en el Cine, que es una selección de temas de películas y musicales de Broadway, entre los años 40 hasta los 80. En el mes de junio de ése año se graba en directo en el club Jamboree de Barcelona el disco: "The Best is yet to come" del sexteto de Laura Simó, con arreglos de Joan Vinyals y Francesc Capella. Al año siguiente, el mismo sexteto presenta su trabajo por varias capitales españolas y realiza varios conciertos con el trío de Tete Montoliu. En 1998 graba un nuevo disco junto a Joan Vinyals y Horacio Fumero al que titulan: Laura de cine, my favourite things grabado en los estudios Gemecs de Premià de Mar. Por tercer año consecutivo, Laura Simó actúa en el Jamboree durante la semana de Navidad, y para esta ocasión, monta un monográfico sobre Stevie Wonder, acompañada por Xavi Ibáñez, Jordi Portaz, David Simó y Joan Vinyals.






En el año 2000, vuelve a reunirse con Carme Canela, esta vez con un trío de jazz y presentan su trabajo dentro del Festival de Jazz de Terrassa; en Tortosa, acompañadas por la Acadèmic Big Band y en el Festival de Jazz de Lugo. Al mismo tiempo continua presentando su espectáculo dedicado al cine y el 2 de noviembre canta en el Auditori de Barcelona, acompañada por la OBC, temas del compositor alemán Wilheim Gross. En diciembre presenta en la sala Luz de Gas de Barcelona, dentro del Festival de Jazz de Barcelona, su nuevo espectáculo: "Laura Simó: De Cine europeo", acompañada de la formación Ensemble de Bellaterra, dirigido por el saxofonista Eladio Reinón. En septiembre de 2002 inaugura el 50 Festival de Cine de San Sebastián y en el 2003 monta el espectáculo "Cançons de Joan Manuel Serrat" con el pianista Francesc Burrull. Participa en el Festival Donem una oportunitat a la pau en Barcelona, cantando junto a Carmen Canela el tema: We can work it out, ante más de 35.000 personas, compartiendo escenario con Javier Gurruchaga, Paco Ibáñez, Nass Marrakech, Luis Pastor, Jabier Muguruza, entre otros. En junio aparece en el mercado un nuevo disco titulado: Senza fine, editado por Satchmo Records.
En 2004 forma el grupo: "Laura Simó & Francesc Capella Trío" actuando en diferentes festivales de jazz, rodando el espectáculo que próximamente se convertirá en un trabajo discográfico. Apartándose del mundo musical, lleva íntegramente la producción de un programa de la televisión estatal suiza, sobre la ciudad de Barcelona y personajes que forman parte de ella, como: Ferran Adrià, Jaume Tresserra, Custo Dalmau, Alfonso Vilallonga, o Rosa Gil, entre otros. Incorpora un nuevo miembro al grupo de cine americano, el saxofonista Víctor de Diego. El pianista y Compositor Joan Monné, la elige para dar un concierto en el Teatro Foment de Molins de Rei, cantando con la Drop Big Band que él mismo dirige y con la coral Quòdlibet.Ése mismo año y en octubre comienza la colaboración con Albert Guinovart, Laura Simó y la Orquesta Sinfónica del Vallés, dirigida por Edmon Colomer, para ofrecer un espectáculo de musicales americanos y catalanes de Guinovart, arreglados por él mismo. Las actuaciones tienen lugar en el Teatro de la Farándula de Sabadell, en la Sinfónica de la misma ciudad y en el Palau de la Música Catalana y en la Universidad Autónoma de Barcelona. Estuvo trabajando posteriormente en Alemania ofreciendo en 2005 una Masterclass Workshop y actuar con el grupo de jazz alemán Marcus Horn trío. Laura Simó actualmente continua su exitosa carrera profesional siendo una de las grandes cantantes de jazz contemporáneas de España.
En 2007 se edita el disco Laura Simó & Francesc Burrull interpreten Serrat, editado por Stres Music, en el que graban el espectáculo que venían realizando conjuntamente la cantante y el prestigioso pianista catalán durante los últimos años, interpretando versiones de canciones de Joan Manuel Serrat: Lucía, Me´n vaig a peu, No hago otra cosa que pensar en ti, Del pasado efímero, Llanto y coplas, Barquito de papel, El meu carrer, Conillet de vellut, Tio Alberto, Perquè la gent s´avorreix tant? y Mediterráneo.En 2009, Laura Simó y Pedro Ruy-Blas, dos de las voces más destacadas del jazz en español, se unen para el espectáculo "Sueño inmaterial" en el que repasan sus respectivos repertorios, con Carme Canela como invitada especial. Acompañados por 33 músicos y dirigidos por Joan Albert Amargós, recorrerán escenarios de Madrid, Barcelona y Nueva York. El 20 de mayo cantan en el Teatro Español de Madrid, en el concierto del 15 de junio de 2009 en el Palau de la Música Catalana de Barcelona graban un CD y DVD en directo, y el 28 de junio cantan en el Zankel Hall del Carnegie Hall de Nueva York.


Laura Simo Sextet - The Best is yet To Come / "Live At Jamboree" (1996)

Tracks :


 1- With a song in my heart
 2- Sconsolato
 3- Waltz for Debbie
 4- The best is yet to come
 5- Moodys mood
 6- Maxine
 7- Three vivews of a secret
 8- Crazy Life
 9- I mean you
10- Walter Whitman where are you
11- Walk between raindrops
12- Since I feel for you
13- Ive got it bad and that
14- Lousiana sunday afternoon









http://www.laurasimo.com/



http://www.myspace.com/laurasimo




Laura Simo Y Gran Canaria Big Band - "The Man I Love"




Laura Simo Y Gran Canaria Big Band - "Time After Time"






NO TE OLVIDES DE AVISAR POR LINKS CAIDOS QUE SIN NINGUNA MOLESTIA DE NUESTRA PARTE LO RESUBIREMOS A LA BREVEDAD .

miércoles, enero 12, 2011

JULIAN SAS - DELIVERED ( 2002 )




 Julian Sas Band es una de las bandas de blues rock de liderazgo en los Países Bajos. Desde que comenzaron a tocar juntos hace unos 7 años, se han publicado 7 CD's, 1 DVD y hecho un montón de conciertos. En 1998 la banda recibió un premio del público para su segundo álbum llamado "A Smile to my Soul" Fue catalogado como uno de los mejores CD de blues de aquel año. En 1999, la banda de Julian Sas fue cabeza de cartel en el legendario Festival de Fehmarn (el equivalente alemán de Woodstock), que fue dedicado a la memoria de Jimi Hendrix. La banda también incluyó en el Rory Gallagher Homenaje en la ciudad belga de Wespelare. En septiembre de 2000, lanzaron "Spirits On The Rise", y la mayor parte de su reciente álbum quinto.
Julian Sas vive en Beneden Leeuwen, un pequeño pueblo que se encuentra entre los ríos Mosa y Waal en lo que podríamos llamar el Delta Blues de los Países Bajos. Aquí es donde encuentra inspiración para muchas de sus canciones. Aunque Julián con solo 32 años, ya está siendo comparado con los gigantes estadounidenses de  la guitarra como  Johnny Winter, Walter Trout y Jimi Hendrix. Puede tocar con una  carga de  agresividad , así como desgarradoramente sutil, y nadie puede ensamblar un boogie como él. La mayoría de las canciones que escribe se basan en los riffs de John Lee Hooker, Freddy King, Willy Dixon, Memphis Slim o de otros artistas de blues más importantes. Julián es un gran fan del fallecido Rory Gallagher y el hecho de que se le invitó a tomar su lugar en el original Rory Gallagher Band Tribute en varias ocasiones, muestra claramente cómo sus compañeros músicos han llegado a respetarlo .
Pierre de Haard, el baterista de la banda, vive en Alemania. Desde finales de los años sesenta, ha estado tocando varios estilos de música. Pierre, quien también es conocido como el 'Boogie Machine', le encanta improvisar, junto con Julián. Tenny Tahamata originario de las Molucas es el bajista y vive en Tiel, Países Bajos. Es autodidacta, ha realizado la experiencia con varias bandas locales tocando todo tipo de música. El año pasado toco  blues en el  Tenny Trío de  Half Past Midnight, que acompañó a Curtis Knight hasta su muerte. En el  medio hizo varios conciertos con Keith Dunn antes de unirse a la banda de Julian Sas.


Julian Sas - Delivered (2002)

Tracks :


CD 1

1. Sugarcup Boogie
2. Spellbound Woman
3. Home Feeling
4. Driftin' Boogie
5. Mother Earth
6. I Believe To My Soul
7. A Light In The Dark
8. Ragin' River
8. Blues Lessons
9. Make My Water
10. Roll On



CD 2


1. When I Boogie
2. Am I Losing My Way
3. Mean Old City
4. I Wonder Who
5. Hey Joe
6. Blues For The Lost And Found
7. Medley :Travelling Home / Bullfrog Blues/Boogie Jam



Line up :

 Julian Sas: Vocals and Guitars
 Pierre de Haard: Drums
 Tenny Tahamata: Bass Guitar















Julian Sas - A Light In The Dark




Julian Sas - Blues Lessons ( En este video Julian sobre una base de blues va explicando sobre sus influencias juveniles ,B.B. King, Vaughan,Buddy Guy,Winter y por supuesto Rory de una manera fantastica ,se los recomiendo )






NO TE OLVIDES DE AVISAR POR LINKS CAIDOS QUE SIN NINGUNA MOLESTIA DE NUESTRA PARTE LO RESUBIREMOS A LA BREVEDAD .

lunes, enero 10, 2011

JOHN LEE HOOKER - LIVE IN HOUSTON ( 1979 )



Cantante y guitarrista de blues, John Lee Hooker fue uno de los máximos representantes de la herencia del blues rural del Mississippi, con un ritmo muy marcado y un estilo de guitarra sencillo y duro Ha ejercido una gran influencia sobre los grupos de rock de los años cincuenta y sesenta. Tras un período de relativo olvido, regresó a la escena musical con discos muy bien recibidos por la crítica y por el público (The Healer, 1990; Mr. Lucky, 1991; Boom, boom, 1992). En 1990 realizó la banda sonora para la película Labios ardientes, de Dennis Hopper. Hooker fue considerado el principal eslabón de unión del blues actual con sus sombríos orígenes en el delta del río Mississipi.
Como Muddy Waters, Howlin Wolf y otras voces profundas, escapó de la pobreza sureña viajando hacia el norte de EE UU y terminó en Detroit durante la II Guerra Mundial. Empleado en la industria del automóvil, se ganaba un sobresueldo cantando en antros donde otros emigrantes sureños se curaban las penas con alcohol. Eran gente dura y alborotadora que obligó a Hooker a adoptar la guitarra eléctrica. Sin traumas, ya que Hooker se maravilló de contar con un instrumento que multiplicaba su sonido y aumentaba su poder sobre los oyentes. Su blues es elástico e imprevisible, una guitarra que proporciona ritmo y comentario a su voz ancestral. Puede sonar primitivo, pero John Lee Hooker resultaba un artista asombrosamente adaptable a diferentes contextos musicales. A partir de 1948, grabó en solitario pero prefería contar con grupos pequeños. Cuando los gustos de los compradores negros cambiaron, Hooker encontró acomodo en el mercado blanco entre los amantes del folk.
A finales de los ochenta, su carrera se relanzó con el álbum: The Healer, el prototipo de los discos de leyendas: De repente, todos querían beber en su fuente atávica: Miles Davis, Pete Townshend o Branford Marsalis. Vivió rodeado de mujeres hermosas y con su uniforme de patriarca: traje negro, camisa de color vivo, tirantes, sombrero de fieltro, calcetines con estrellas... "Soy John Lee Hooker; cuando me hicieron, rompieron el molde", dijo una vez.  Entre las obras de Hooker, admirado por Van Morrison y los Rolling Stones, están algunos de los álbumes más conocidos del blues y obras como The Healer, o el extraordinario: "Alone". En su último concierto, días antes de su fallecimiento, tuvo a la audiencia rendida a sus pies. Le gustaba el contacto con el público y, a pesar de su avanzada edad, no dejó de actuar hasta el final. Sus temas: "I'm in the mood", 1951 y sobre todo: Boom Boom, 1962, marcaron la historia del blues en la segunda mitad del siglo XX.

  


"Cuando era joven, recuerdo haber escuchado a John Lee Hooker en disco, imaginé que era un hombre de dos metros de altura, que podía cargar el tronco de un árbol y que todos los días desayunaba un pollo completo; años después lo conocí y se trataba de un hombre, más bien, menudo; entonces lo vi tocar y me pareció más grande de lo que imaginaba años atras." 
                                                            
                                                            Eric Clapton




 John Lee Hooker - Live In Houston 1979 (2001)


 Tracks :


01. Little Girl, Go Back To School
02. It Serves You Right To Suffer
03. Roll Your Daddy Right
04. Jesse James Blues
05. Never Get Out of These Blues Alive
06. Boogie Chillun'
07. Dead Wagon Blues (TB Sheets)


Line up :

John Lee Hooker (guitar & vocals)
John Garcia Jr. (guitar)
Steve Jones  (bass)
Larry Martin (drums)















John Lee Hooker & Rolling Stones / Eric Clapton - Boogie Chillin'




John Lee Hooker & Bonnie Raitt - I'm In The Mood






NO TE OLVIDES DE AVISAR POR LINKS CAIDOS QUE SIN NINGUNA MOLESTIA DE NUESTRA PARTE LO RESUBIREMOS A LA BREVEDAD .

viernes, enero 07, 2011

LUTHER JAZZ CLUB : DEAN MARTIN - LIVE AT THE SANDS HOTEL ( 1964 )



Que tal amigos y queridos parroquianos de este humilde recinto ,el club se enorgullece de presentar en esta oportunidad y como primera noche del año al gran  Rat Pack del clan Sinatra .
Nos referimos a Dino o Dean  Martin ,como lo prefieran , en un show ofrecido en la ciudad de Las Vegas en el año 64 en el marco de unas veladas antologicas realizadas en el Sands Hotel propiedad de su entrañable amigo Frank y de otros "Buenos Muchachos"
Es una linda oportunidad para deleitarnos con este autentico cantante lounge en una noche calurosa en Buenos Aires en donde los buenos tragos haran las delicias de propìos y extraños
Desde ya muchisimas gracias por estar en este año con nosotros en esta fantasia (que como dice mi amigo Jazzy)algun dia se hara realidad ...
Un abrazo a todos !





Dean Martin, nacía el 17 de julio de 1917 en la localidad de Steubenville, estado de Ohio, en el seno de una familia de inmigrantes italianos. De nombre real, Dino Paul Crocetti, poco amante de los estudios, pronto abandonó el colegio y se propuso ganarse la vida en lo que fuese; así trabajó desde su adolescencia en diferentes oficios como peón, vendedor de combustible en una gasolinera, crupier de casino e incluso boxeador, peleando (con algún éxito) con el apodo de "Kid Crocetti".
Al mismo tiempo, Dean Martin se fue introduciendo poco a poco en los "nightclubs" como cantante, actuando junto a la orquesta de Ernie McKay, bajo su nuevo apelativo de Dino Martin. En una de sus actuaciones, que compaginaba música y humor, coincidió con un cómico que intentaba también abrirse camino en el ámbito del espectáculo, su nombre era Jerry Lewis. Los dos se hicieron muy amigos, lo que les llevó a actuar como pareja en 1946 en el club "Atlantic City", consiguiendo con su hilarante química despertar el entusiasmo entre el público asistente. Poco después debutarían en la radio y en 1949 firmaron con los estudios Paramount para protagonizar su primera película juntos, "My friend Irma" (1949), un título dirigido por George Marshall y que sería el comienzo de una larga serie de éxitos cinematográficos.
La larga amistad culminó después del rodaje de "Loco por Anita" y la pareja rompió su exitosa colaboración artística para iniciar su carrera en solitario, en la cual diversificaría mucho más sus papeles, demostrando un sorprendente talento para la interpretación dramática. Además continuó grabando discos y consiguiendo éxito con temas clásicos del pop como "Volare" o "Everybody loves somebody". Sentimentalmente hablando, antes de la llegada de los 60 se había casado ya en dos ocasiones, la primera con Betty MacDonald en 1940, de quien se divorció en 1949; y la segunda en 1949 con Jane Biegger, su relación más duradera con la que estuvo hasta 1973. A partir de los años 50, Dean Martin, formó parte de un grupo de actores y cantantes, liderado por Frank Sinatra y que todo el mundo conocería como el "Clan Sinatra" y vulgarmente "rat pack", (La banda de las ratas). Eran amantes de la juerga y la buena vida y se vanagloriaban de tener contactos muy estrechos con el mundo de la mafia.
Dean Martin, llegó a ser un cantante muy popular y su escasa relación con el jazz, al que se acercó muy brevemente, pero con corrección apreciable -su álbum "Swingin' Down Yonder" para Capitol de 1954 es un buen ejemplo de ello- no es óbice para que mantuviera una presencia constante e ineludible en el mundo del show business estadounidense de los años 50 y 60,

Fuente



Dean Martin - Live at The Sands Hotel [Feb 8, 1964]


Tracks :

01. Introduction and /Medley
02. Memories are Made of This
03. That's Amore
04. Monologue
05. June in January
06. You Must Have Been a Beautiful Baby
07. More Laughs with Dean
08. 'Throw Away' Comedy /Medley
09. Dino's 'Pretty Songs'/ Medley
10. On a Slow Boat to China
11. Medley
12. Closing Monologue
13. Celebrity Introductions
14. Mr Wonderful...Closing Theme


















Dean Martin (Live) 1964

Everybody Loves Somebody/Volare /On A Evening in Roma/You're Nobody Till Somebody Loves You







NO TE OLVIDES DE AVISAR POR LINKS CAIDOS QUE SIN NINGUNA MOLESTIA DE NUESTRA PARTE LO RESUBIREMOS A LA BREVEDAD .

miércoles, enero 05, 2011

LEON RUSSELL - LEON LIVE ( 1972 )




Desde niño Leon estudió piano con entrenamiento clásico y fue considerado prodigio. Formó su primera banda con el futuro fundador del legendario grupo Bread, David Gates, en Tulsa, Oklahoma. Mintiendo sobre su verdadera edad consiguieron un trabajo en un night club de Tulsa, apoyando a Ronnie Hawkins y a otra leyenda del rock como Jerry Lee Lewis. Luego se mudó a Los Ángeles, California, para poder seguir tocando en clubes, aún con documentación falsa. Todavía ocultando su verdadera edad, Russell comienza una carrera ejecutando varios instrumentos, aprendiendo guitarra de James Burton y tocando en sesiones de estudio con estrellas como Glen Campbell, Dorsey Burnette y otros. Russell también tocaría de manera regular como pianista estable en el legendario show de televisión de la ABC llamado “Shindig!”, de gran éxito a nivel mundial y pionero entre los programas musicales de los años 60.
En 1962 Leon, se convierte en miembro estable de la exclusiva productora de Phil Spector, creador de la fabulosa técnica de grabación llamada “Wall of sound” (Pared de sonido), tocando en sucesos musicales de The Crystals, Bob B. Soxx & The Blue Jeans y otros. Algunas veces usaba el seudónimo de Russell Bridges. También tocó en el superéxito instrumental de Herb Alpert “A taste of honey” y en la increíble versión que hicieron The Byrds del tema de Bob Dylan “Mr. Tambourine man”.
En 1965, la entonces cotizada compañía de discos Liberty (que contaban en su staff con The Ventures y Jan & Dean, entre otros), por influencias del genial cómico Jerry Lewis, contrata al grupo musical del hijo de este, llamado Gary Lewis & The Playboys, y Leon Russell es designado como arreglista de este nuevo acto. Gracias a su toque especial, el primer single de este grupo, “This Diamond Ring” llega al tope de las listas de Estados Unidos de manera meteórica, causando sensación el nuevo sonido de esta banda, logrado gracias a la magia musical de Russell.

En 1967, con su propia carrera musical despegando, Russell construye su propio estudio de grabaciones y establece contacto comercial con otro sello discográfico llamado A&M. En 1968, Russell se une con el guitarrista Marc Benno y graban para una subsidiaria de Mercury Records llamada Smash, con gran respuesta de la crítica pero sin respuesta comercial. Se une a la banda de Delaney & Bonnie and Friends en una gira, y es entonces donde es contactado por el manager de Joe Cocker, Denny Cordell (que a la vez es también productor de Cocker), y en un acuerdo sin precedentes para Russell, el segundo álbum de Joe es grabado en el estudio de Leon, incluyendo el tema “Delta Lady” originalmente escrito por Russell para Rita Coolidge.Estos fueron solo los inicios de una larga y fructífera carrera de un músico que, a partir de finales de los 60, prácticamente trasladó su base de operaciones a Inglaterra, al extremo que quienes no lo conocían en aquel entonces, pensaron que era británico. En los últimos años Leon Russell ha estado bastante alejado de los escenarios musicales, dedicándose a otros trabajos en la industria discográfica.




Leon Russell - Leon Live  (1972)


Tracks :

1. Mighty Quinn Medley
2. Shoot Out on the Plantation
3. Dixie Lullably
4. Queen of the Roller Derby
5. Roll Away the Stone
6. It's Been a Long Time Baby
7. Great Day
8. Alcatraz
9. Crystal Closet Queen
10. Prince of Peace
11. Sweet Emily
12. Stranger in a Strange Land
13. Out in the Woods
14. Some Day
15. Sweeping Through the City
16. Jumping Jack Flash / Youngblood
17. Of Thee I Sing / Yes I Am
18. Delta Lady
19. It's All Over Now Baby Blue



Recorded live at the Long Beach Arena, Long Beach, California on August 28th, 1972.



Line-up:

Leon Russell - Pianos
Rev. patrick Henderson - Pianos
Chuck Blackwell - Bateria
Ambrose Campbell - Congas
Don Preston - Guitarras
Joey Cooper - Guitarras
JOhn Gallie - Organo
Carl Radle - Bajo
Vocais Background: Don Preston, Joey Cooper and Black Grass (Rev. Patrick Henderson, Nawasa Crowder, Phyllis Lindsey, Mary Ann Lyndsey)
Vocais lead: Leon Russell, Don Preston, Rev. Patrick Henderson e Phyllis Lindsey.


















Leon Russell - Delta Lady




Leon Russell - Jumpin' Jack Flash/Young Blood (Concert For Bangladesh)






NO TE OLVIDES DE AVISAR POR LINKS CAIDOS QUE SIN NINGUNA MOLESTIA DE NUESTRA PARTE LO RESUBIREMOS A LA BREVEDAD .

lunes, enero 03, 2011

LUTHER ALLISON - GONNA BE A LIVE ONE IN HERE TONIGHT ( 1979 )




Luther Allison nació el 17 de Agosto de 1939 en Widener, Arkansas, hijo número 14 de una familia de 15 hermanos que se desarrollo en una granja de algodón. Sus padres decidieron mudarse a Chicago cuando el tenía diez años, pero él ya había saboreado los sonidos blues antes de dejar Arkansas, tocaba el órgano de la iglesia de su pueblo y había aprendido a cantar gospel. Allison siempre dijo que los primeros sentimientos blues le vinieron de escuchar la radio familiar en Arkansas, la cual estaba encendida toda la noche gracias a su padre. Siempre recordaba haber escuchado el Grand Ole Opry y a B.B. King en el King Biscuit Show en la radio de Memphis WDIA. Tuvo talento para jugar al béisbol y comenzó a jugar antes de llegar al Instituto en Chicago, pero no fué un periodo muy largo, ya que comenzaba a centrar su atención en tocar la guitarra. Así comenzó a frecuentar los clubes de blues a la vez que realizaba sus estudios en el instituto, y con la ayuda de sus hermanos emprendió una escalada en conocimientos musicales, técnicas vocales, técnicas de guitarra... Esto ocurría mientras vivía con su familia en el lado oeste de Chicago, época en la que decidió de manera determinante llegar a ser un bluesman. Comenzó a tocar en una banda, pero como bajista, junto con el guitarrista Jimmy Dawkins.  Antes de que su familia se mudara al Sur de Chicago, vivieron cerca de Muddy Waters, y Allison y el hijo de Waters, Charles, emprendieron una gran amistad. A los 18 años su hermano le enseñó los acordes principales y las notas básicas de la guitarra, y el brillante Allison progresaba a velocidades indescriptibles. Luther se forjó en el "blues college" donde nombres legendarios han sentado base, tales como Muddy Waters, Elmore James y Howlin Wolf entre otros. Su primera oportunidad de grabar vino de la mano de Bob Koester de la Delmark Record, y su primer álbum, "Love Me Mama", salió al mercado en 1969. A pesar de tener un solo disco y en un sello pequeño consiguieron promocionarle como para participar en el Ann Arbor Blues Festival de 1969, 1970 y 1971. Despues de estas actuaciones, la gente comenzó a interesarse por Luther Allison, y en 1972 consiguió firmar con Motown Records.
Gracias a firmar con Motown sus canciones llegaron a lugares que le hubieran resultado imposibles, como Japón y Europa, pero los discos no se vendieron muy bien. Allison decidió permanecer en Europa, más concretamente en París, el resto de la década de los 70´y los 80´, en donde sus discos tuvieron mejor acogida, y grabó "Love Me Papa" para la French Black and Blue en 1977. Continuó con una serie de discos en directo desde París, y en 1984, da el salto fuera de París, hasta Alemania, donde más volumen de ventas tenía.  Allison retornaba a su hogar en los EE.UU. esporádicamente, cuando era invitado a algún festival, o daba alguna conferencia. Como guitarrista acomplejado que era, Allison no quiso aterrizar en Chicago. Decidió aprender técnicas y estilos antes de tocar en su Chicago. Su estilo estaba basado en el blues de Chicago pero con un aliñe de rock, soul, reggae, funk y jazz. Los primeros dos discos de Allison con Alligator, "Soul Fixin' Man" y "Blue Streak", consiguieron ser grandes éxitos. Su talento como cantautor es totalmente depurado, y su música está bien grabada y producida. En 1992 se reeditó" Love Me Papa". En 1996, Motown decidió reeditar algunos de los materiales que había grabado con ellos (tres álbumes en total) entre 1972 y 1976, pero con formato CD. Con 50 años avanzados, Allison continuaba deleitando a los clubes y festivales de todo el mundo con sus punteos, suaves variaciones, la energía de sus shows y con su impresionante forma de tocar al guitarra y la tesitura de su voz. Él continúó con sus tour hasta que en Julio de 1997, cuando le diagnosticaron un cáncer imparable. Justo un mes después muere en el hospital de Madison, en Wisconsin. En 1998, póstumamente, se editó "Live In Paradise", grabado en uno de sus últimos shows, en La Reunion Island en Abril de 1997.



 Luther Allison - Gonna Be A Live One In Here Tonight (1978)


 Tracks :


01 - Strokes
02 - You're Gonna Need Me
03 - You Upset Me Baby
04 - Movin' On Up
05 - The Thrill Is Gone
06 - Cat Blues
07 - Messin' With The Kid












Luther Allison - Cherry Red Wine ( que pedazo de blues señores )







NO TE OLVIDES DE AVISAR POR LINKS CAIDOS QUE SIN NINGUNA MOLESTIA DE NUESTRA PARTE LO RESUBIREMOS A LA BREVEDAD .